Decir algo más que presentar a esta banda sería obsoleto, son uno de esos casos en los que la música habla por si sola y hay un je nai sais quois que dice: “Hmm, estos podrían vender más copias de singles que a sus familiares”.
Quizás es menos sano, entonces, compararlos con los Breeders y Tegan and Sara; o decir que Ritzy (guitarrista y cantante) y Rhydian (bajista) son pareja. Más de lo mismo? quizás! Pero la música pop se ha estado auto-devorando desde hace un buen rato como dicen por ahí. Ahora si me disculpan, hay cosas menos predecibles de las que encargarse… como ver las Olimpiadas.
No es dificil comenzar a hablar de Conor Oberst, desde el raver hasta el pseudo-indie todos han al menos oído un rumor del que muchos consideran el Dylan de su generación. Su trabajo diurno con Bright Eyes (la ausencia de su compinche de siempre Mike Mogis es lo único que hizo que este disco tenga su nombre y sólo su nombre) contiene ya un extenso catálogo para alguien de 28 años y su voz es instantáneamente reconocida de San Francisco a Osaka. Que más tiene que hacer Conor Oberst para establecerse a si mismo como LA leyenda solista de los 00’s? La respuesta es simple: Morir, pero tras lanzar su primer disco con nombre propio en doce años, esto parece ser lo último en su lista.
Para muchos fans, Cassadaga fue demasiado cinematico, grandilocuente y ambicioso para ser un disco de Bright Eyes, quizás los mismos estén contentos al oir los primeros cambios de ‘Cape Canaveral’ en el que Conor prosigue el viaje emprendido en el anterior disco, esta vez dirigiendose desde Florida hacia Mexico con otra memorable línea: “You told me victory is sweet / even in the cheap seats”. Mudarse a los valles de Tepoztlán parece haber sido una desición correcta al intentar devolver ese sentimiento de introspección a su sonido, quizás perdido en la libre creación de personajes de Cassadaga. Lo cual tampoco significa que haya dejado de percibir lo que sucede alrededor de él, quizás la mejor cualidad de Oberst, el estar conciente de todo lo que le rodea.
Es quizás testimonio de su constante calidad que ninguna de las 12 canciones que conforman este autotitulado disco sea floja o esté de relleno, hasta el cuerno en ‘Valle Místico (Rubén’s Song)’ parece estar ahí por un motivo válido. Aún manteniendo la fluidez, temas como ‘I Don’t Want To Die (In A Hospital)’ y ‘Lenders In The Temple’ podrían ser parte de cualquier otro disco de Oberst, quien es correctamente ayudado por la banda de turno (The Mystic Valley Band). Si, quizás no sea ni tan revolucionario ni tan simplemente genio como el más grande de los singer-songwriters, pero para seguir manteniendo esa chispa, es obvio que Conor Oberst tiene algo más que talento. Y más vale que sea celebrado mientras lo mantenga.
Buenas cosas nacen del sonambulismo. Gracias al mismo los Shins tuvieron su primer número uno en los Estados Unidos, y quizás sea esta la mejor manera de explotar el talento escondido en cada banda de indiefolkpop del mundo ya que el día de hoy Noah and The Whale está celebrando su primer single Top 20. O eso, o el comercial del nuevo Saturn que usa como soundtrack dicha canción (el re-editado ‘Five Years Time’) ha servido como resorte para que el grupo de Twickenham merecidamente sea una de las pocas bandas buenas en los charts este año. Cualquier banda que haya contado con Laura Marling entre sus filas tenía que ser buena, cierto?
Pero Peaceful, The World Lays Me Down es más que sus tres excelentes singles y un poco de relleno, es también quizás una de las mejores interpretaciones del anti-folk Estadounidense en salir de las Islas Británicas. Y lo cierto es que eso no para ahi, su ex-miembro Laura Marling y otros de sus amigotes como Emmy The Great o Lightspeed Champion parecen ser parte de una pequeña escena del Oeste de Londres influenciada y nutrida por Daniel Johnston y Bonnie Prince Billy en vez de los Libertines u Oasis. Quizás un introspectivo antídoto para la mediocridad de las bandas que tiñen las páginas de la NME con más de lo mismo.
Y por suerte, no como muchas de las buenas bandas Londinenses desde el ‘00, Noah and The Whale tienen el apoyo de Universal y al menos tres singles con aire de hits. ‘5 Years Time’ y su nostalgica letra está ganando ya fans en los dos lados del atlántico, ‘2 Atoms In A Molecule’ podría seguirle los pasos con una simple instrumentación pero imparable ritmo, mientras que la mejor de las tres, ‘Shape Of My Heart’ pasó desapercibida a pesar de tener el mejor video de lo que va del año dirigido por James Copeman.
Hay algo mágico y esperanzador que verdaderamente es anti-todo lo que ocurre con la música Británica actual, el hartazgo con la misma banda de siempre empaquetada con diferente nombre quizás aún no sea palpable, pero cuando ello se empiece a sentir, no hay duda alguna que grupos como Noah and The Whale tomarán justamente ese lugar sin mucha alharaca.
Seattle podrá no haber cambiado mucho en 20 años, pero su música ciertamente es el otro lado de la moneda. No se necesita describir con minucia la escena ‘grunge’ para saber que la furia estaba a la orden del día, todo lo opuesto con el primer muy esperado LP de Fleet Foxes… o al menos eso es lo superficial. Que esperar? Para empezar un poco de ese pop de costa Oeste venidero desde los Beach Boys, un toque de epicismo post 9/11, Americana de CSNY y la producción abstracta de Animal Collective, suficiente para desde un arranque meterse a los críticos al bolsillo. Quizás la clave a su individualidad, lo que los separa de sus directos referentes está en la carátula del disco: Una pintura por el Holandés Renacentista Pieter Bruegel, conocido por sus panoramas de la vida campesina con aforismos fáciles de reconocer.
En el caso de Fleet Foxes, las referencias son personales, todo desde la primera persona, como si el elusivo Robin Pecknoldn quisiese meterse dentro de cada personaje en la pintura y contar una historia distinta acompañada de un tipo de música que sólo una banda que pasó mucho tiempo en tiendas de discos podría hacer. Acompañar este disco con For Emma, Forever Ago de Bon Iver es ser transportado directamente al mundo natural, lejano del imparable paso del tiempo y el aumento de velocidad que este conlleva, todo un logro desde donde se le vea.
Atemporal es quizás la mejor descripción para el debut, pero más allá de las historias de demonios y bosques hay un cierto toque del mundo contemporáneo que no habría salido de Estados Unidos en otra década que no fuese esta, que una vez más prueban dominar en cuanto a frescura e innovación a los géneros pre-establecidos, desde Seattle hasta New York.
Sería simple pre-juzgar este disco como ‘Los Bunkers Sell Out’, la relocación a Mexico, el largo contrato con Universal y hasta el título que referencia su barrio en Concepción podrían ser un preambulo para un gran empaquetado que logre quitarle el alma y ponerle barniz al quinteto Chileno. Pero por suerte Barrio Estación hace lo suficiente para destruír cualquier miedo y cumplir con el primer paso en su plan de tomar radios Latinoamericanas. Por ahora tanto el disco como el segundo single han conseguido un Top 10 en los charts Aztecas y una amplia gira parece ser su primera arma para mostrar el antiguo, quizás superior, catálogo de los años de Chile. Donde antes había frescura y emoción ahora hay ganas de madurar y solidez.
Y quizás este no debería ser visto como la relocación a Mexico si no más bien un quinto álbum linear, después de todo fue enteramente concebido y grabado en Chile en medio de la mudanza. No por nada la deuda a Los Tres y Los Angeles Negros sigue estando ahí, pagada en cuotas mientras que el interesante nuevo single ‘Me Muelen A Palos’ tiene un ritmo y un teclado que bien pudieron haber sido sacados de Corazones de Los Prisioneros. Grupos que para el Mexicano promedio nunca existieron. El cierre con ‘Abril’ y los loops de arreglos de George Martin son lo más cercano que llegan a explorar nuevos terrenos sin querer volverse devotos a otra cosa que no sea la concisa canción pop, quizás el talento mayor de los de Concepción y seguramente lo que hizo que una de las disqueras grandes pongan dinero detrás de ellos.
La nota de prensa indica que Barrio Estación podría ser un hito en el rock Latinoamericano, pero la conclusión pronta es que ese lugar le sigue perteneciendo a Canción de Lejos, disco que capturó perfectamente su era y la historia del rock Chileno en menos de una hora. Este quinto LP es más una transición, con la artificialidad tocando la puerta pero por suerte no aún adentro. Podrás sacar a Los Bunkers de Chile pero no Chile de Los Bunkers.
Había una vez una banda llamada Fear or Flying, quienes con mucha fácilidad lograron propagar su nombre y cosechar buenas críticas sin sacar siquiera un disco. Por una razón u otra, Fear of Flying ya no existe, en su lugar tenemos al trío de los que quedaron, quizás moldeados por su manager ahora bajo el nombre de White Lies. Las comparaciones a otros grupos que visten de negro no se hicieron esperar, los presuntos implicados desde la coronación de Interpol como plagerus supremus del post-punk volvieron a sonar: Echo? check, U2 de los inicios? check, Joy DIvision? check, un poco de Julian Cope y Teardrop Explodes? también. Pero si fuesemos a compararlos con un acto contemporáneo, podríamos decir que después de largos 4 años, los Killers Británicos por fin tocan el timbre.
Con un par de singles fuera, contrato con Fiction en el bolsillo y una aparición en Later para contarle a los nietos, White Lies son el nuevo caballo para apostarle. Si, el epicismo oscuro que ponen en la mesa habrá sido visto en numerosas ocasiones, pero al fondo aún hay sitio. Que no sorprenda si de acá a un año, el trío Londinense este manejando ese ficticio bus del post post post post punk.
…’O CSS Están Enfurecidos Y En Busca de Revancha’. No culpes a la noche, no culpes a la luna, culpa al manager. Tras giras extenuantes pagadas con Jagermeister (muchos no se quejarían), los excéntricos Brasileros desatan su furia en Donkey, su segundo, “dificil” LP. Fácil es verlo así, pero en realidad esta debería ser causa de regocijo, pues todo lo que Blatter llamaría ‘esclavismo moderno’ ha pagado, por más irónico que sea, sus frutos, haciendo que Cansei De Ser Sexy sea nombre común entre hipsters de Glasgow a Portsmouth, labor nada refutable para una banda que hace poco no iba ni de Sé a Bela Vista.
Nunca más cierto podría sonar eso de que lo que no te mata te hace más fuerte, a pesar que una bajista cansada (”Estaba más preocupada en sus clases de Francés que en sus clases de bajo” dice la banda) se haya quedado en Sao Paolo. Pues Donkey podría bien ser el paso que necesita CSS para establecerse, bizarramente en menos de 4 años, como la banda Carioca más famosa en tierras Británicas desde Os Mutantes (que aún así nunca pasaron de ser de culto). Después de tomar un par de meses en Brasil y practicar a más no poder, el crecimento musical realmente se siente en un sonido muchísimo más cuajado y virtuoso. Podrán aducir que es la rabia o quizás querer mostrar que pueden hacerlo todo por su propia cuenta, pero la base de Donkey es su propia perseverancia y ganas de ganarse residencia temporal en los iPods de la amplia legión de fashionistas que supieron cautivar a través de estos últimos años.
Su éxito se deba probablemente a la inmensa y calculada campaña detrás de ellos? O será que el inglés de Lovefoxxx es comprensible y hasta logra plasmar excelentemente sus ideas y cuentos en el idioma de Shakespeare? O tal vez su conocido amorío con un Klaxon? Podrá ser la desenfadada sexualidad excéntrica que despilfarran tanto en su sonido como en sus vestimentas? Quizás ese toque de exoticismo inofensivo? O simplemente no existe una banda tan divertida como CSS hoy en día? Las razones son varias, el hecho es uno sólo: Los paulistas llegaron a Gran Bretaña, y contrario a varios de sus compatriotas peloteros, la conquistaron sin samba.
Cuando las excusas llegan antes que el producto uno ya sabe que esperar, o al menos tiene un temeroso indicio. Esta vez, el siempre pretencioso cuarentañero de Haywards Heath lanza su segundo disco solista vía un ridiculo USB con la advertencia que grabó todo en menos de tres días. Lo cierto es que cualquier otro tiempo habría sido un insulto a si mismo o al menos a la pizca de talento e innovación que le quedaba tras lanzar su autotitulado debut, odioso pero al menos con vida.
Wilderness es Brett Anderson en su mínima expresión: Voz, piano y una que otra cuerda. Y según él es por que nada le importa la industria y el mundo exterior, excepto su cada vez más pequeño circulo de acérrimos fans y, característicamente, el mismo. Pero cualquier psicólogo sería raudo al notar que este es un hombre que se mantuvo vivo a través de los peores momentos y adicciones gracias a su incalculable ego. Será que el tiempo lo volvió humilde y centrado? O quizás nos está mintiendo a todos? Lo cierto es que la música que ahora produce no es mejor que la que hizo en su punto más bajo de drogadicción, hasta A New Morning tenía un trío de buenas canciones, que le hacen más que falta en esta ocasión.
Es irónico entonces que aquel guitarrista que una vez llegó al estudio para encontrar una nota y sus cosas empacadas esté ahora produciendo a los actos más vendedores del año mientras que Anderson haya llegado a la que quizás sea su última recesión. La vida te da sorpresas.
